#Topic: [OST] - 007 Skyfall, Adele

A manera de remate a la semana de Adele, hoy decidimos hablar de uno de sus trabajos más representativos en la música, y su más célebre colaboración en el mundo del séptimo arte. Nos referimos a su composición e interpretación del tema principal de la película número 23 del agente secreto británico James Bond: 007 - SKYFALL. 

Como conmemoración de los 50 años de Bond en el cine, Adele (acompañada de su inseparable compositor Paul Epworth) logró entregar un tema musical con personalidad, poderoso, que rememora las mejores épocas del espía y que de paso, encierra la crisis de mediana edad a la que el mencionado debe enfrentarse. Así pues, James Bond en Skyfall no solo luchará con un enloquecido terrorista y psicópata, Raoul Silva (quien al unísono funciona como antítesis, como un reflejo del 007 echado a perder por los propios gajes y rencillas del oficio), sino que deberá encararse a sí mismo... a sus sentidos descordinados y desafinados por la vejez. 

Como es costumbre la canción tomó forma durante el filme, siento acompañada de una secuencia inicial de títulos (animada vía ordenador), que resume y da indicios de los elementos que se verán en su transcurrir.

La canción fue aplaudida por la audiencia en general, la crítica y los fans más acérrimos de la saga. Adele había completado su misión satisfactoriamente... a gran diferencia de lo que 10 años antes Madonna entregó con Die another day, la canción del cuadragésimo aniversario del 007, que dejó mucho que desear al separarse tan diametralmente de la elegancia y sofisiticación de los temas de Bond vistos en el pasado.

Skyfall (y con ello Adele), recibió en 2013 un Oscar por Mejor canción original. Acto que reafirma la calidad de la pieza musical entregada. 

Sin lugar a dudas, y gracias a la artista británica, este fue uno de los mejores momentos del espía del MI6, que desde 1962 no se ha cansado de salvar al mundo; batallar contra villanos estrafalarios; tomar amplias cantidades de bebidas alcohólicas y cocteles bien agitados mas no mezclados; usar prácticos y convenientes gadgets; y acostarse con las mujeres más sexys y mortales del planeta.

"This is the end,

Hold your breath

and count to ten...

(...)

...We will stand tall

Face it all, toguether

at SKYFALL"

Por: Juan David Martínez Zuluaga. 

#Topic: 5 performances épicos de Adele

No baila, no se desnuda, no se besa con chicas para llamar la atención y aún así vende más de 31 millones de copias de uno solo de sus discos (Lo siento Britney, Rihanna, Miley, Beyoncé, Ariana, Jennifer, etc). Adele ha logrado cambiar el  mundo de la música sin disparates, ni escándalos... por eso, en la semana tributo a la nueva "Reina del Soul", tenemos el conteo de los 5 performances más importantes de este nuevo icono de la música.

5). Hometown Glory Live on "Adele 21 Tour". Con la gira promocional de su exitoso álbum "21", Adele abre con una balada de su disco anterior "19". Simplemente sublime.

4). Don´t You Remember Live on Letterman. Promocionando en el desaparecido programa de entrevistas, este tema que hace a más de uno entrar en lagrimas por su amor perdido. Preparen los pañuelos para secar sus ojos y limpiarse la nariz.

3). Someone Like You Live on Brit Awards. Llegando a la noche más importante de la música

británica, entre escarcha dorada y una voz sublime, se encuentra Mrs Adkins. IMPECABLE.

2). Skyfall live on Academy Awards. Solo tres palabras: James Bond, coro Gospel y Adele. PERFECTO.

1). Rolling In The Deep live on Grammy Awards. Adele se recuperaba de nódulos en su garganta, tuvo que operarse y casi pierde su voz... pero volvió a los Grammy  y arrasó con la premiación, llevándose 6 gramófonos en una noche. Pero no sólo eso, ella le demostró al mundo que era fuerte y que su voz resurgía de las cenizas.

Por: Juan Sebastián Pico Chica. 

#Topic: 18 curiosidades de Adele

Adele Laurie Blue Adkins, más conocida como Adele; nació en Tottenham, Inglaterra y tiene 27 años.

Algunas de sus curiosidades son :

1-  Es muy poco romántica. Jamás ha dicho: "Te amo" ya que en ninguna de sus declaraciones de amor ha expresado afecto a su pareja. La británica ha dicho esto: “Es muy complicado para mí declarar sin tapujos mis sentimientos a la persona con la que estoy saliendo".

2- Su segundo disco, "21", hasta ahora ha sido el más vendido, con más de 20 millones de ejemplares. Superando a Michael Jackson con su albúm Thriller, informó la Official Charts Company (empresa encargada de elaborar las listas de trabajos con mayor éxito comercial).

3- Le encanta el vino. Su vino favorito es el tinto.

4- Estuvo en la escuela de artes BRIT School, donde también estudiaron Amy Winehouse, Leona Lewis, Kate Nash o Katie Melua.

5- En noviembre de 2011 fue operada para detener un sangrado en su garganta a causa de un pólipo benigno.

6- Su gusto por la música empezó en una presentación de su colegio cantando el tema Rise de Gabrielle.

7- Le encantan los animales, en especial su perro Louie Amstrong, un dachshund ,perro salchicha.

8- Sus suaves melodías de soul blues han logrado imponerse.

9- Le gusta el chocolate y la goma de mascar, especialmente Juicy Fruit.

10- Bebe agua con miel, durante sus presentaciones, entre canción y canción.

11- Para todos sus shows siempre pide doce botellas de agua mineral.

12- La cantante ha confesado que su única adicción son los cigarrillos. Fumaba de cinco a siete al día. Su marca favorita es Marlboro light. Lo ha tenido que dejar por afectación en las cuerdas vocales.

13- El 28 de enero de 2012 en la red social fue asesinada, creando un trend topic nombrado RIP Adele.

14- Su primera producción discográfica "19" vendió aproximadamente cuatro millones de copias alrededor del mundo.

15- No le gustan los cítricos como la mandarina, el limón o la naranja.

16- En cuanto a frutas le gustan las manzanas, los plátanos y las uvas.

17- Una de las características más notorias de Adele es su potente voz. Varios locutores de radio la denominan como una voz profunda y diferente. Tiene riqueza en su voz.

18- Adele lleva fuera de escena unos años, desde que interpretó 'Skyfall' como tema para la película de James Bond del mismo nombre, del 2012.

Nota: Todas las imágenes fueron extraídas de Google. 

Por: Mariana Moreno Castellanos. 

[OST] - Fantasía (1940): Un concierto animado

Por allá a finales de los años 30, dos increíbles maestros y visionarios, Leopold Stokowski y Walt Disney, decidieron unir fuerzas para consumar uno de los trabajos artísticos más espectaculares de la historia del cine: Fantasía, un filme que pretendía dar imagen a la música clásica, a través de la animación.

Walt Disney (izq.) y Leopold Stokowski (der.) revisando el arte conceptual y las partituras para el largometraje.

Esta película de 1940 se toma a sí misma como si se tratase de un concierto en vivo (con instrumentos afinándose de por medio, telón alzándose y un presentador que da la bienvenida al público), y aborda 3 tipos de música: Narrativa, ilustrativa y absoluta. "La obra está compuesta por siete secuencias que ilustran ocho fragmentos de piezas de música clásica, arreglados y dirigidos por el director de orquesta Leopold Stokowski, e interpretados por la Orquesta de Filadelfia. La última secuencia está acompañada por dos extractos musicales, y un intermedio separa las secuencias 4 y 5. Cada una de las secuencias está precedida por un corto comentario del narrador en el que la orquesta aparece en sombras chinescas" (Explicación tomada de Wikipedia).

Fantasía representó la experimentación entre 2 conceptos en teoría disonantes, pero que desde el nacimiento del cine encarnaban la aleación perfecta de imagen y sonido, en donde uno daba vida y reforzaba los caracteres narrativos de la otra. Disney pretendía que el concepto de Fantasía no fuese una única película, sino que con el paso del tiempo fuese expandiéndose (a manera de secuelas), incorporando nuevas piezas y rememorando algunas de las principales. No obstante y para su desgracia, este largometraje resultó siendo un catastrófico fallo de taquilla, que por poco lleva a la empresa del ratón a la quiebra. 

Cincuenta y nueve años después, se pretendió retomar la idea con una secuela: Fantasía 2000 (1999). Pero la mala retribución en taquilla, llevó nuevamente al claustro de más proyectos por el estilo a corto plazo. 

Compartimos la banda sonora completa de la cinta, y una pequeña reseña realizada a la misma. 

 

Nota: Como dato curioso y de índole técnico, resulta pertinente comentar que esta película, fue una de las primeras piezas cinematográficas en ser elaboradas con sonido estreofónico, un audio que es capaz de otorgar la sensación de espacialidad, al moverse e interactuar por 2 canales sonoros (uno izquierdo y otro derecho, justo como los oídos del ser humano). Walt Disney pidió la utilización de esta tecnología, con el fin de dar la sensación a la audiencia de que se encontraba en un salón de concierto. Este hecho, subió hasta las nubes los costes de realización.

Por: Juan David Martínez Zuluaga. 

Nunca te olvidaré - Tropical Manía

Esta es una versión de la canción "Nunca Te Olvidare" de Enrique Iglesias en merengue urbano, dirigido por Jonathan Cardona y cantada por Manue Monroy y Marko Polo. Todos, artistas nacionales.

Por: Alejandra Castillo Hernández.

CONFIRMADO: ¡Adele vuelve en diciembre!

Adele no lanzaba LP desde 2011, su tan popular álbum 21. Este disco que representó una revolución en la música de la década del 2010, con sus 30 millones de ejemplares vendidos, los 7 premios Grammy recolectados en su periodo de promoción y la influencia que ha mostrado en la audiencia y los músicos en los años posteriores de su lanzamiento, ha generado la expectativa y ella se define en la siguiente pregunta: ¿Qué podemos esperar de su próximo álbum?

Pues la espera ha acabado, Adele presento un extraño audio en la final de "The X Factor UK". Un vídeo de 30 segundos donde se reconocía la voz de la intérprete entonando el siguiente extracto "Hola, soy yo... dicen que el tiempo cura las heridas, pero no me siento del todo bien aún". Esta canción que por el momento no tiene título, será parte del tan esperado nuevo álbum de la cantante británica, que verá la luz en diciembre de este año.

A continuación les dejamos el audio con el adelanto de lo nuevo de Adele.

Por: Juan Sebastián Pico Chica.

Beneficios de aprender a tocar un instrumento musical

No solo escuchar música es bueno para nuestra salud, también lo es, tocar un instrumento ya que pone en actividad el centro neurológico de la actividad del cerebro, estimula la inteligencia y la concentración.

Uno de los beneficios que trae es mayor coordinación física y la movilidad. Por ejemplo al tocar la batería, algunos ejercicios necesitan que las cuatro extremidades realicen movimientos a diferentes tiempos.

Nota: Todas las fotos provienen de Google. 

- Se puede adquirir también una mayor sensibilidad auditiva y táctil, teniendo control de todo el cuerpo.

- Adquirimos habilidad y agilidad en algunas partes de nuestro cuerpo como los dedos, las manos y las muñecas, así tendremos una mayor capacidad para desenvolvernos en las actividades cotidianas: para lograr una gran velocidad en los dedos, un músico necesita un gran entrenamiento mental

-Incrementa la creatividad y la productividad. Por esto en las actividades del diario vivir, la persona se puede volver más dinámico y asertivo en la resolución de problemas.

-Ejercita la memoria. Por ejemplo, las personas que tocan piano ,el uso constante de los dos hemisferios cerebrales al utilizar ambas manos y diez dedos simultáneamente, ejercita la memoria teniendo mayor agilidad mental. 

-Mejoran las habilidades del lenguaje. Puede expresarse mejor y hacer relaciones más profundas con las personas, se adquiere una inteligencia espacial (capacidad para percibir de forma diferente el mundo y crear imágenes mentales de los objetos) para resolver ágilmente dificultades.

- Un músico es disciplinado y responsable. La música logra en las personas mayor responsabilidad, disciplina y constancia.

- Logra ser más feliz porque piensa la vida como música. Reduce el estrés y la depresión, ya que la música es un relajante natural.

- Gana confianza en sí mismo. Por medio de la música puede expresarse como es.

- Vencer los miedos. A través de la música se pueden enfrentar los retos, logrando ser una persona decidida y asertiva.

- En los estudios o trabajo, se volverá una persona más exigente y crítica de su entorno.

- Al empezar desde niños a tocar un instrumento musical, lograremos un aprendizaje lleno de creatividad y confianza en sí mismo. La edad más adecuada para empezar, es a los cinco años. Traerá beneficios para toda la vida, puede evitar enfermedad como el alzheimer

-El entrenamiento musical mejora nuestras capacidades cognitivas el doble que los deportes, la danza o el teatro.

- Fortalece nuestro sistema inmunológico.

- Facilita las relaciones. La cooperación y lazos afectivos entre las personas.

- El estado de ánimo cambiará. En niños puede ayudar en desordenes alimenticios o problemas de autoestima.

Por: Mariana Moreno Castellanos. 

[OST] - Volver al futuro, volver a recordar

En conmemoración por la visita del viajero del tiempo Marty McFly el próximo 21 de octubre del presente año ¿Qué mejor momento para recordar las tonadas más representativas, de uno de los clásicos más amados y célebres de la historia del cine?

Volver al futuro, una trilogía dirigida por Robert Zemeckis entre 1985 y 1990, en donde se nos narran los loquísimos viajes en el tiempo realizados en 1855, 1955, 1985, y 2015 por un adolescente llamado Marty McFly y el científico Emmet Brown, gracias a un DeLorean DMC-12, un automóvil deportivo muy popular de la época. 

Originalmente solo se pensaba realizar una única película, presentando un final abierto que apelaba más que nada a lo cómico. No obstante, el exitazo de taquilla abrumador que representó el filme, llevó a la realización de otras 2 continuaciones. 

No nos detendremos a hablar de las melodías para nada despreciables de Alan Silvestri, el compositor de la banda sonora, sino que trataremos las canciones incorporadas al OST de artistas de la época (y no tan de la época).

Comencemos hablando de Johnny B. Goode, una canción del cantante y guitarrista Chuck Jones que Marty interpreta en el baile de gala en el que sus padres se enamoran. Para nuestro protagonista es una melodía añeja, pero dado el contexto temporo-espacial en el que decide tocarla, representa toda una innovación en el ámbito de la música: El nacimiento de uno de los primeros temas del Rock n' Roll de los 50's (este hecho, también es referenciado dentro de la misma escena). Una muy movida tonada, con un muy simpático juego de palabras... la pronunciación del nombre Johnny B. Goode es similar a la frase Johnny be good (Johnny sé bueno). 

The power of love, una pieza musical del grupo Huey Lewis and the News que terminaría convirtiéndose en el tema principal de la obra. Una canción perfecta para lo que representa esta historia, una comedia romántica adornada con componentes de ciencia ficción (por no mencionar que básicamente resume la evolución del padre de Marty durante la cinta; y claro, la necesidad de nuestro protagonista de que el amor, el de sus progenitores, salve su vida). 

 

Como dato curioso, en el vídeo de la izquierda puede apreciarse al vocalista de la banda,

Huey Lewis, realizando un cameo. Es el profesor que sostiene el megáfono. 

Back in time, otra canción de Huey Lewis, esta vez enfocada más hacia el detonante que desencadena la historia de la primera película y básicamente de la trilogía entera; hablamos por supuesto del viaje en el tiempo. Aunque no la vemos, ni oímos tocar propiamente durante el filme, es una canción tan clásica como la película que representa. 

 

Volver al futuro es una historia fascinante... un trío de películas que evolucionan conforme la marcha, entregando cada vez más y más a los espectadores, y pasando de ser una comedia, a una obra de ciencia ficción, y llegando a ser un western. Tras todo lo anterior, no es difícil entender por qué ha sido una gran aventura capaz de trascender su época y de alojarse en el corazón de múltiples generaciones. 

Por: Juan David Martínez Zuluaga. 

No Puedo Hacer Nada - La Pata Records

Les presentamos la nueva versión de No Puedo Hacer Nada por La Pata Records. Este tema hace parte de su primer disco "La siembra" . Aquí lo pueden escuchar...

         

Trompeta: Leonardo Pérez

Tenor Sax: Adrián Hoyos

Trombón: Sebastián Carmona

Guitarra: Alvaro Javier García "Tito"

Teclado: Ricardo Díaz Largo

Percusión: Juan Manuel Ocampo

Batería: Leonardo Orozco Cruz

Voz - Bajo: Carlos Andrés Ortiz "Atila"

Voces: Lina Macauce - Alejandro Aguirre.

Por: Alejandra Castillo Hernandez.

Leonard Bernstein (1918-1990)

Nació en Massachusetts EE.UU. (1918-1990). Fue Director de orquesta (el primer director de orquesta Estadounidense que alcanzó renombre internacional), gran pianista y compositor. Su familia es de descendencia judía y de rusos emigrados.

Sus pasos como director de orquesta, empezaron en 1940 por Serge Koussevitzky (su mentor). Comenzó en un instituto de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston, y con el tiempo su maestro le enseñó una faceta diferente; una interpretación abiertamente subjetiva, pero siempre teniendo en cuenta la pura tradición romántica; de esa manera le hizo obtener los mejores resultados en las obras más complicadas de dirigir. Por tanto, Bernstein con el pasar de los días, se convirtió en asistente de dirección de Serge Koussevitsky y por ende escribió su segunda sinfonía a Serge.

Foto: tomada de google.

Más adelante, en 1943, fue nombrado director sustituto de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, después de grandes conciertos, comenzó a desarrollarse definitivamente. En el año de 1951, después de la muerte de su mentor, asumió el control absoluto de los departamentos de la Sinfónica de Boston y se convirtió en el director Titular de la Filarmónica de Nueva York. A partir de 1970 empezó a dirigir de manera común orquestas de talla internacional como la Orquesta Filarmónica de Viena; con esta tuvo la oportunidad de grabar sinfonías de Beethoven, Bach y Schumann, entre otras. Debido a esto, le dieron la oportunidad de dictar clases de música en la Universidad de Hardbard. 

Bernstein fue defensor y divulgador de la nueva música estadounidense, ya que autores como Aaron Copland, Charles Ives y Gershwin hicieron parte de sus pensamientos y formaron programas con sus conciertos hasta su muerte. 

Es por eso que hoy, 14 de octubre queremos recordar a un monstruo de la música clásica. 

Por: Ómar Andrés Angulo.

Los momentos clave de la carrera de Max Martin

Todos en la industria conocen a Martin Karl Sandberg, conocido artísticamente como Max Martin, un productor de origen sueco que ha sido considerado como el tercer compositor masculino más importante de la historia de la música, solo detrás de John Lennon y Paul MacCarney. Desde sus inicios en  los 2000, ha marcado con 54 canciones en el top 20 de Billboard, solo detrás de Madonna y Elvis Presley, también productores. Por tal motivo, haremos un conteo de 5 momentos clave de su carrera.

5). Taylor Swift. Esta rubia ha sido la palanca de Martin estos últimos años. El produjo todo su álbum 1989, ese que tiene Shake it off  & Blank Space vendiendo más de 15 millones de ejemplares. ¡Bravo Martín!

4). P!nk. Este hombre puso en el mapa a la cantante que estaba destrozada por su divorcio con Cary Hart (cosa que al final no pasó y aún siguen juntos); utilizó su despecho para este hit del 2008: So what, del álbum Funhouse.

3). Maroon 5. Aunque no fue larga la colaboración, Martin le dio al grupo su tercer número uno en el Hot 100, y es este exitazo el que, además de pegajoso, tiene algo que decir... me refiero a One More Nigtht del 2012.

2). Katy Perry. Con 130 millones de sencillos vendidos, tres álbumes número uno y contando. Un ejemplo innegable es este hit del 2010: Teenage Dream.

1). Britney Spears. Con un presupuesto de diez mil dolares, debía sacar a esta chica desconocida a la luz del mundo pop. El resultado fueron 53 millones de discos vendidos y por su puesto Baby One More Time.

Por: Juan Sebastián Pico Chica.

Los 10 datos curiosos del Violín

1. El antecedente del violín fue un instrumento medieval del siglo IX-X D.C llamado fídula o viola de arco. El rabel también es su antecesor.

2. Las crines o el pelo de caballo se usan en la producción de arcos. Se les pasa una resina para que tengan adherencia con las cuerdas y las hagan vibrar.

3. El violín surgió en Italia a comienzos del siglo XVI.

4. Las partituras de música para violín usan casi siempre la clave de sol, llamada antiguamente «clave de violín».

5. Algunas de las personas que tocan el violín usan un soporte llamado humbrera, para mayor comodidad. Logrando que se ajuste bien y no se deslice.

6. Los violines se han hecho con madera pero existen unos de diversos materiales, algunos acústicos o eléctricos de cristal.

7. El violín es un instrumento de cuerda frotada, el más agudo de su familia. Otros miembros de ésta son la viola, el violonchelo y el contrabajo.

8. Cuando se viaja en avión, el violín debe estar desafinado. Es decir las cuerdas no pueden quedar en tensión, ya que con los cambios bruscos de presión se puede provocar la rotura de alguna cuerda.

9. Muchos violinistas zurdos aprenden a tocar como diestros . Sin embargo hay personas que cambian el orden de las cuerdas y tocan como zurdos.

10. Las clavijas están a presión: en el violín las clavijas son levemente cónicas y se incrustan en la madera para la afinación de las cuerdas. En climas húmedos la madera tiende a hincharse es por esto que la afinación se mantiene porque la clavija queda bien sujeta. Pero en climas secos, la madera puede contraerse quedando la clavija poco firme.

Por: Mariana Moreno Castellanos. 

[OST] - Joe Hisaishi, el compositor de Hayao Miyazaki.

El día de hoy nos centramos en un compositor específico. Y uno de los grandes a decir verdad. Mamoru Fujisawa, conocido artísticamente como Joe Hisaishi, es un director y compositor japonés de 65 años. Su trayectoria es amplia y fructífera, no obstante, nos enfocaremos en su papel como creador de la banda sonora de los proyectos de otro grande: Hayao Miyazaki. 

Hayao Miyazaki es un director de cine animado japonés, reconocido por ser el fundador de Studio Ghibli en 1985, y por la creación de películas como El viaje de Chihiro (2001, por la que fue merecedor de un Oscar a "Mejor película animada" un año después), El increíble castillo vagabundo (2004), La princesa Mononoke (1995), Mi vecino Totoro (1988), Nausicaä del Valle del Viento (1984), El viento se levanta (2013), entre otras más. 

Hayao Miyazaki (izq.) acompañado de Isao Takahata (der.), confundador de Studio Ghibli, y creador de películas como La tumba de las luciérnagas (1988), La historia de la princesa Kaguya (2013), Recuerdos del ayer (1991), y muchas más. 

Desde sus primeros filmes, Miyazaki ha solicitado la ayuda de Hisaishi en la consumación de un soundtrack que aporte vida extra y un inigualable valor agregado a cada una de sus historias. Para evitar hacer el cuento largo, a continuación compartimos 2 vídeos en los que se explica y ejemplifica el asombroso trabajo que estos maestros han forjado desde 1984. En el primero, una reseña sobre un concierto filarmónico realizado en 2010 y dirigido por Hisaishi, en el que se realizaba un espectacular compilado de lo mejor de sus creaciones musicales en Studio Ghibli. El segundo, es el concierto completo de casi 2 horas de duración del que se habla en la reseña.

Preparen sus oídos, porque están a punto de ser estimulados de una forma inigualable. 

 

 

Por: Juan David Martínez Zuluaga.

José Ignacio Rodríguez (1914-1975)

José Ignacio Rodríguez nació en Córdoba, Argentina (1914-1975). Conservador del folclore argentino, reconocido en Latinoamérica por sus grandes éxitos.

De joven fue jugador del equipo de fútbol en Rioja Junior, pero con el tiempo la música comenzó a recorrer sus venas. María Rivolta, su madre, le ofreció los primeros pasos para tocar guitarra. Según él, la primera canción que compuso, fue gracias a un sueño; cuentan que en el sueño había un hombre reclinado debajo de un árbol que cantaba "Vidala tengo una copla, no me la vas a quitar", y con esta última frase, la nombró. Esta canción la grabó más adelante en 1963.

En 1939 se presentó por primera vez en Buenos Aires, donde sus primeros éxitos fueron conocidos. Después conoció a Perú y Bolivia, donde realizó estudios en literatura hasta 1045, y compuso dos de sus más grandes éxitos "La Chusquisaca" y "Chicheriar del Cusco". Su mayor sueño, fue preservar la música folclórica como género favorito, y en especial, apea jóvenes.

Es por eso que, como cosa rara, el día miércoles, queremos recordar en El Cassette.com a un gran cantautor, con una canción llamada "Luna Cautiva".

 

"Mi inquietud se proyecta en la creación de una música popular bailable y de nuevos ritmos que atraigan a la juventud, tomando siempre como punto de partida a la más típica expresión argentina, el Folklore. Véalo con el sentido de lo bailable..."

Por: Omar Andrés Angulo González.

¿Qué es el Solfeo?

Lenguaje musical o Solfeo:

El solfeo es un método de entrenamiento musical utilizado para enseñar entonación en el momento que se lee la partitura. Busca entrenar la lectura ágil de la partitura para así lograr un buen entendimiento de lo que se quiere transmitir a través de la música. Su fin prinicipal es lograr que el músico determine la altura de las notas en una pieza musical , permite mejorar el reconocimiento auditivo de los intervalos musicales, para luego entender la teoría de la música. Lograr la entonacion mientras se recitan los nombres de las notas de la melodía en la partitura, respetando los valores rítmicos, la indicación metronómica (tempo), y omitiendo nombrar cualquier alteración, con el fin de preservar el ritmo, mientras se marca con una mano el compás.

En un principio la música se trasmitía asi como las palabras oralmente pero luego se vió la necesidad de constituír un sistema de enseñanza, en este caso por medio de partituras empezando desde lo más primitivo a la actualidad con notas.

El arte musical se divide en varias ramificaciones, una de ellas es el solfeo que proviene de los signos musicales sol y fa. Antiguamente se denominaba solmizacion que deribaba del sol y mi, es entonces solfeo como se llama en estos dias al arte de medir correctamente y entonar dando a cada signo su propio nombre. Es casi universal en Europa y América. 

La música es un lenguaje que compartimos los seres humanos en la vida diaria. En la música pueden encontrarse distintos elementos como el ritmo, la armonía, la textura, la altura, el timbre, el color y la existencia de distintas voces.

El lenguaje musical se expresa a través del pentagrama con notas que dan a conocer una canción. Cuando interviene la voz humana la forma musical es vocal, y cuando sólo hay instrumentos, se le llama instrumental.

La música es un lenguaje universal, aquel lenguaje que quiere interpretar los signos y términos que visualmente no entendemos.

Por: Mariana Moreno Castellanos.

Las 8 canciones que Coldplay debería tocar en Colombia

Coldplay anunció que estará en Colombia para el 2016 en su gira A Head full of dreams World Tour, con el cual planean promocionar su séptimo álbum de estudio del mismo nombre. Se confirmó también que William Orbit será su productor principal (ese tipo que se encargo de exitazos como Ray of light y Music; de Madonna o el desaprovechado Universe del grupo Depeche Mode).

Por tal motivo, a continuación, un conteo de las ocho canciones que el grupo debería tocar en el Parque Simón Bolívar, para ganarse la aprobación de sus seguidores.

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8). A sky full of stars. El segundo sencillo de su increíble pero poco promocionado álbum Ghost stories, sería un perfecto intro y tema de apertura para que todos los "coldplayers" inicien con ansias el recital. Este tema explosivo, producido por Calvin Harris, es la compensación por no salir de gira con este álbum.

7). Paradise. Sí, es necesario este cliché porque amamos los clichés, y Coldplay sabe como encendernos con este tema pop de Mylo Xyloto.

6). Lost! Este temazo de su álbum Viva la vida es indispensable, puesto que la música barroca y el pop nunca han sonado tan claros y unidos. Esperemos que Jay Z se anime para tocar con ellos el remix que hizo para la re-edición del álbum en 2009.

5). Atlas. Nunca lo han tocado, pero esta joya de la banda sonora de Los Juegos del Hambre: Sinsajo sería un regalo para los amantes de la banda y de la saga de juvenil.

4). Speed of sound. El primer sencillo del álbum  X&Y que es una evolución respetable de Clocks. Este tema ganaría fuerza a mitad del recital.

3). Yellow. La canción de amor más simple pero también la más compleja del grupo (lo admito, me acongoja oírla y me llena de nostalgia). Un diamante de Parachutes (álbum), su debut.

2). Fix You. Lo único rescatable de su matrimonio con Gwetney Patrowl es este número uno en el Reino Unido; y que es el fondo perfecto para el compromiso matrimonial de cualquiera.

1). The Scientist. Esta balada sobre un corazón roto describe a Coldplay en cinco minutos; SUBLIME.

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Nota: La mítica Clocks, al igual que Viva la vida fueron excluidas del conteo, por el simple hecho de ser temas obligados a tocar en cualquier concierto; ambas bien pueden ser consideradas las canciones más representativas de la banda. 

Por: Juan Sebastián Pico Chica.

[OST] - Guardianes de la galaxia (2014): Enganchado a un sentimiento

Guardianes de la galaxia. Una película del 2014 dirigida por James Gunn. Uno de los mayores exitazos de taquilla y crítica de Marvel Studios, la mítica empresa fílmica que a lo largo de los años ha llevado a la pantalla grande las emocionantes historias de justicieros con habilidades especiales (algunos enmascarados y otros no), que salvan su ciudad, su planeta o la galaxia misma. 

Este largometraje concretamente nos relata la historia de una serie de desadaptados sociales del espacio, que tras una serie de crímenes son encerrados en una prisión estelar. No obstante, las circunstancias acaecidas al rededor de un extraño orbe de incalculable valor y poder, les llevará a trabajar juntos, a tener la oportunidad de revindicar su egoísta pasado y con ello, salvar a millones de inocentes. 

Uno de los indispensables elementos que llevaron al triunfo de esta cinta de ciencia ficción entre la masa, es paradójicamente, su estética retro. Gunn incorpora a partir de su personaje principal Peter Quill (interpretado por Chris Pratt), un sinnúmero de elementos a la cinta que remiten directamente a los años 80s, 70s y 60s; uno de ellos, la música que el personaje constantemente escucha en su atesorado walkman, que contiene el desgastado cassette nombrado Awesome mix Vol.1 (Mezcla asombrosa, Volúmen 1) y que hace parte de la banda sonora de la película.

   

Analisémos esta pieza cuidadosa y sorprendentemente bien trabajada del largometraje. 

Evidentemente nos encontramos frente al uso de música diegética, es decir, una música que los personajes de la obra en cuestión son conscientes de su existencia, suena dentro del mundo donde toma parte la acción. Pero este no es un elemento del azar, como podría pensarse.  "A veces me veía inspirado para crear una escena al rededor de una canción, y en otras ocasiones, tenía una escena que necesitaba música, por lo que escuchaba las canciones elegidas para la película... así visualizaba múltiples melodías con la intención de encontrar cual se ajustaría mejor", comentó el director.

Es solo cuestión de leer entre lineas la personalidad de nuestro protagonista. Para no hacer el cuento muy largo podemos decir que Peter es un un niño grande, una persona que actúa infantilmente la mayoría del tiempo, que salta sobre los charcos, que se autoproclama forajido, que inventó su propio alias, Star-lord. Lo anterior se debe a que nuestro protagonista con ínfulas de Han Solo (otra referencia retro), es un ser que se encuentra mortificado por su pasado, uno en el que su madre con cáncer agoniza y se despide de él, y en el que Peter no puede decir adiós por lo traumático que resulta aceptar la fatalidad.

Cuando escuchamos Hooked on a felling de Blue Swede mientras "Star-lord" y sus compañeros entran a prisión, no es un hecho gratuito... el protagonista se encuentra amalgamado fuertemente a esta canción ("Esa canción me pertenece", grita a uno de los guardas cuando le arrebatan su walkman); representa no solo su situación física, sino emocional: el estar atrapado/enganchado a una cárcel y a un sentimiento que no le abandona, que le hace recordar su procedencia terrestre y el no querer despedirse de su progenitora (también hace referencia a resistirse a abrir el último regalo que esta le entregó: "Abrélo cuando ya no esté", fueron algunas de sus últimas palabras). 

Al igual que esta canción, muchas otras pertenecientes al soundtrack representan un estado emocional de los personajes a lo largo de la historia, y también en cierta medida, del espectador. Les invitamos a dejarse enganchar por este compendio de canciones retro... canciones que gracias a esta película han adquirido nuevos significados.  De paso, si les es posible, les recomendamos echarle otro visionado a la película, ahora que son conscientes del inteligente uso que Gunn le da a la música, puede que la interpreten un poco más diferente. 

PS: Gracias al éxito de la cinta y en particular, al de su banda sonora, Hollywood Records lanzó a la venta el pasado 28 de noviembre de 2014 una edición en cassette de esta (que dicho sea de paso, contenía un código para la descarga digital del álbum). Desde 2003 Disney Music Group no lanzaba a la venta un OST en este formato, hoy considerado obsoleto por muchos.


Por: Juan David Martínez Zuluaga. 

No te engañes - Alex Henao

Alex Henao es un cantante Manizaleño con varios años de carrera, en los últimos días dio a conocer el nuevo vídeo de su ultima producción musical basada en el amor propio. Este trabajo se ha promocionado en diferentes ciudades como Pereira, Armenia Y Bogotá. Conoce su nuevo vídeo "No te engañes".  

Por: Alejandra Castillo Hernández.

A toda Madonna le llega su Lady Gaga [OPINIÓN]

Por: Juan Sebastián Pico Chica. 

Normalmente las entradas del blog están jerarquizadas para salir antes de las 10 pm., por ese lado presento disculpas a los lectores, pero sentí la necesidad de escribir de algo que me interesa y quería compartirlo por este medio, el día de hoy mientras refrescaba las noticias de mi celular vi un encabezado de la MTV anunciando lo último de la cantante Lady Gaga y como era de esperarse, las comparaciones con Madonna eran el plato fuerte de la nota informativa, lo curioso del tema es cuanto las dos se parecen y a la vez cuanto una debería rescatar de la otra.

Madonna Louise Ciccone, es conocida como la solista más rentable de todos los tiempos, solo detrás de Los Beatles y eso es merito a treinta años de arduo trabajo, en los cuales debemos nombrar los  500 millones de discos vendidos, diez giras mundiales, diecisiete discos, trece números uno y un sin número de polémicas y enfrentamientos con el Vaticano (no olvidemos la simulación de crucifixión de su Confessions Tour, el vídeo de Like a Prayer y las insinuaciones sexuales que le hizo al papa Francisco hace menos de una semana en uno de sus últimos conciertos). Ámenla u ódienla, Madonna es sin dudas la "Reina de la música y la cultura Pop" pero con la realeza en el poder, siempre habrán sedientas de gloria que querrán su corona.

Las "Madonna Wanna Be" es un termino que se hizo popular a principios de los 2000 (se lo debemos a Britney Spears, Christina Aguilera, Kylie Minogue y un montón de nombres que han desaparecido a lo largo de estas dos décadas); este termino hace alusión a las cantantes que han querido ser y/o parecer a la ex de Sean Penn. Tal y como hubo un antes y después de Cristo, hay un antes y después de Madonna y triste o en  hora buena (como deseen verlo) Lady Gaga vino después de la Ambición Rubia.


Esta  Stefani Joanne Angeline Germanota (si así se llama Gaga, y con razón decidió cambiarse el nombre) irrumpió en 2008 la escena musical y el choque entre estas dos divas comenzó cuando Gaga publicó su canción Born This Way, que ha sido criticada al sonar al mítico éxito de los 80 de la chica material "Express Yourself".

Hoy en 2015 la contienda se extiende, puesto que su Gaga publica hoy  su sencillo "Funk the Punk" de su próximo álbum que verá la luz en 2016,  pero el asunto corresponde a el parecido  (por no decir plagio)  a la portada y sonido del éxito de Madonna de 2005 "Hung Up", lo cual a vuelto a sumergir a Germanota en la sombra de la reina del Pop.

Aunque las comparaciones sean odiosas, son necesarias y aquí les dejo esto, mientras una esta embarcada en su décima gira mundial, uno de sus discos más aclamados por la critica y su público, "la otra" estrena como protagonista una serie de terror por la cadena televisiva FX (Scream Queens bate record televisivo que AHS soñaría con romper), sus dos últimos discos no superan los tres millones de copias y su regreso esta opacado por su imagen extravagante... y esta "otra" no es Madonna.